앤디 워홀과 타임캡슐

16 12월, 2019
앤디 워홀은 20세기 팝아트 운동에서 가장 중요한 예술가였다. 예술가로서 커리어 기간 동안 특정 날짜에 600개가 넘는 타임캡슐을 제작했다. 이 글에서 워홀이 지극히 평범한 것들을 타임캡슐 안에 저장하기로 결정한 이유를 알아 보자!
 

앤디 워홀, 그는 20세기 팝아트 트렌드의 중심에 있던 가장 유명한 인물이다. 워홀의 인기는 그를 세계에서 가장 유명한 예술가 중 한 명으로 만들었다. 1928년 8월 6일 펜실베니아 주 피츠버그에서 태어난 워홀은 화가이자 영화 제작자였으며 수많은 타임 캡슐을 제작했다.

일부 사람들은 워홀을 1960년대 팝아트 운동의 아버지이자 주요 인물로 생각한다. 그 워홀이 대량으로 생산한 예술은 미국의 상업 문화의 진부함에 대한 비판이었다.

워홀은 자신의 이미지를  비개인적이고 공허한 예술가로서 투사할 수 있는 위대한 자기 홍보 담당자였다. 그는 유명 인사, 사업가이자 성공적인 야심가였다. 이 기사에서 앤디 워홀의 예술적 삶과 그의 예술의 주요 주제를 탐구해 보자.

앤디 워홀: 삶과 유산

앤디 워홀은 오늘날 슬로바키아로 부르는 구소련에서 온 이민자의 아들이었다. 1949년 카네기공과대학(현재 카네기멜론대학)을 졸업하고 그래픽 디자인 학위를 받았다.

이후 뉴욕시로 이주하여 약 10년 동안 전문적인 상업 일러스트레이터로 일했다.

워홀은 1950년대 말경에 그림을 그리기 시작했고 1962년에 갑자기 유명해지기 시작했다. 캠벨 수프캔, 코카콜라병, 브릴로 비누패드 박스의 나무 복제품 그림을 전시했을 때였다.

앤디 워홀 - 정사각형 패턴
 

1963년, 워홀은 소비자 제품에 대한 이러한 목적 의식이 있는 평범한 이미지를 양산하고 있었다. 그는 스크린 인쇄라는 기술을 사용했다. 그 후 얼마 되지 않아 연예인 초상화의 무한한 변주곡을 눈길을 끄는 색채로 인쇄하기 시작했다.

스크린 인쇄는 이미지를 계속해서 반복적으로 재현함으로써 문화적 아이콘들을 무의미하고 비인간화된 모습으로 바꾸어 놓았기 때문에 정말 완벽한 매체였다. 워홀에게 그러한 아이콘들은 미국 물질주의의 공허함과 자신의 예술에 대한 감정적 애착을 나타내는 것이었다.

앤디 워홀의 작품의 특성

미적 이론을 간략하게 살펴보면 사람들은 오랫동안 예술을 아름다움과 연관시켜왔다는 것을 알 수 있을 것이다. 예술은 세상을 아름답게 만들었고 대개는 현실적인 장면으로 묘사했다. 또한 예술은 친숙한 것들을 표현한 것이었다.

그러나 시간이 흐를수록 그러한 경향은 진화하고 변화해 왔다. 동시에, 고급 문화와 저급 문화의 구별은 항상 뚜렷해졌다. 하지만 질문을 회피한다. 무엇이 예술로 여겨질 가치가 있는가?

통조림은 고정되어 있지 않고 시간이 지날수록 그것을 재평가해 왔지만 대중적인 것들은 항상 “저급 문화”의 일부로 보여져 왔다. 적어도 20세기까지는 그렇다. 이 시기 동안 예술적 영향력은 단지 “고급 문화”가 아니라 대중적으로 인기 있는 출처로부터 나오기 시작했다. TV, 뉴스, 음악이 예술에 나타나기 시작했다.

모든 것을 사고 팔고, 상품화하고, 인간성을 바닥으로 떨어뜨릴 수 있는 세상에서 이러한 탈인간화된 예술은 혁명적이었다. 대중문화와 서구 사회에 우호적인 외침이었다. 예술은 더 이상 반드시 아름다울 필요가 없었다. 왜냐하면 예술은 사회와 마찬가지로 진화했기 때문이다.

 

워홀의 작품은 1987년 2월 22일 뉴욕에서 사망할 때까지 그를 미국에서 떠오르는 팝아트 운동의 선두 자리에 오르게 했다.

앤디 워홀의 타임캡슐

앤디 워홀은 1974년부터 610개의 타임캡슐을 개인 소지품으로 채워 밀봉한 뒤 보관했다.

어떤 사람들은 이 거대한 캡슐을 일련의 예술 작품으로 본다. 피츠버그에 있는 앤디 워홀 박물관이 워홀의 타임 캡슐들을 발굴하고 내용물을 주의 깊게 분류하기 시작했을 때 사람들은 타임캡슐이 안에 우리 일상의 별 의미 없는 물건들을 가지고 있다는 것을 깨달았다.

예를 들어, 타임 캡슐 안에는 신문 기사, 정크 메일, 반쯤 먹은 샌드위치, 발톱 자르기 같은 물건들이 들어 있었다. 더 큰 프로젝트가 되기 위한 사진, 커미션 서신, 몇 가지 실제 예술 작품들도 있었다.

앤디 워홀 재단은 택시 영수증부터 팬우편까지 모든 것을 뒤지기 위해 한 기록보관팀을 고용했다. 기록보관팀의 일은 물품 하나 하나를 꼼꼼하게 분류하고, 사진을 찍고, 물건들을 조사하는 것이었다. 그리고 나서, 해당 정보로 데이터베이스를 채웠다.

앤디 워홀: 타임캡슐의 의미

일상 생활에서 쓰이는 물건을 다시 포장하는 것은 워홀의 창조적인 작품에서 빼놓을 수 없는 것이 되었다. 워홀에게 있어 타임캡슐은 장난이며 일종의 서양 문화를 향한 농담이다. 그것들은 우리 삶의 방식에 대한 풍자적인 반영이다.

앤디 워홀은 죽는 날까지 “나는 어떤 예술도 만들지 않고도 예술가가 될 수 있다”는 생각을 항상 유지했다. 내가 바로 예술이다.” 그는 예술가로서의 자질을 문화적 아이콘의 수준으로 끌어올렸다. 워홀은 더 이상 세상을 아름답게 만드는 사람이 아니라 괴팍하고 선견지명이 있었다. “모든 것에는 아름다움이 있다”고 말한 것처럼 말이다.

 

앤디 워홀의 타임캡슐은 마릴린 먼로와 엘비스의 초상화처럼 기본적으로 죽음에 관한 것이었다. 그는 죽음과 쓰레기를 예술로 바꾸었다. 환영카드, 연하장, 고급 레스토랑에서 훔친 재떨이, 엘비스 사진, 크리스마스 포장지와 리본, 베벌리 윌셔 호텔의 “방해 금지” 표지판 등…

“예술가는 사람들이 가질 필요가 없는 것들을 만들어내는 사람이다.”

-앤디 워홀-

앤디 워홀 - 바나나

쓰레기가 예술이 되다

앤디 워홀은 여러 면에서 시대를 앞서 가고 있었고 물건들을 하나하나 꼼꼼히 골라 15분 동안의 명성을 그들에게 선사했다. 자신의 모든 쓰레기를 붙잡고 예술로 볼 수 있었던 또 다른 예술가는 생각하기 어렵다.

프랜시스 베이컨의 친구가 죽은 후 그의 소유였던 물건들을 보관했다가 경매에 부쳤다. 하지만 베이컨은 아마도 그의 오래된 수표책이 예술적 가치를 가지고 있다고 생각하지 않았을 것이다.

워홀은 책상 위의 쓰레기가 귀중하다고 생각했고 다른 사람들이 그렇게 본다면 예술이 될지도 모른다고 생각했다. 그래서 예술은 더 이상 이상적인 카논이 되지 않을 것이며 경험하기 훨씬 어려운 관점이 될 것이다. 그래서 이 타임캡슐들은 우리에게 20세기의 가장 중요한 예술가 중 한 명인 앤디 워홀에 대해 아주 매혹적인 시각을 주는 것이다.

 

앤디 워홀 모델

앤디 워홀은 혼자가 아니었다. 워홀이 제작한 타임캡슐이 고유의 가치를 지니고 있다고 생각하는 다른 사람들도 많이 있다. 어느 한 팬은 마지막 타임캡슐을 열 수 있다는 영예로움에 대해 깜짝놀랄 액수인 3만 달러를 지불했다.

“인간은 홀로 태어나지만 어디에나 데이지 체인의 상호작용을 하는 사슬에 묶여 있다. 사회적 행동은 임시 방편적인 형태로서 종종 용기있고 때로는 우스꽝스럽고 항상 이상하다. 그리고 어떤 면에서는 모든 사회적 행동은 ‘그의’, ‘그녀의’ 또는 ‘그들의’ 소망과 당신의 바람 사이의 협상이다.“

-앤디 워홀-

워홀은 연예인이자 사업가라는 개념으로 연주하는 복잡한 예술적 인격을 창조했다. 다른 예술가들은 그 이후로 이 모델을 모방했고 그런 방식은 계속 작동하는 것 같다.

앤디 워홀은 시대와 혁명의 상징인 아이콘이 되었다. 비인간화된 예술과 새로운 욕구, 새로운 형태의 소비, 그리고 새로운 라이프스타일을 반영했다. 워홀은 예술가의 모습을 고통을 감내하는 장인 예술가에서 특정한 세계관을 가진 괴짜 예술가로 인식될 수 있는 사람으로 바꾸었다.

 
  • Ribas, J., & Warhol, A. (1990). Comprar es más americano que pensar. Ajoblanco, 21, 22-41.
  • Honnef, K. (1991). Andy Warhol, 1928-1987: el arte como negocio. Benedikt Taschen.
  • Warhol, A., & Covián, M. (1981). Mi filosofía de A a B y de B a A. Tusquets.
  • Smith, J. W. (2001). Saving Time: Andy Warhol’s Time Capsules. Art Documentation: Journal of the Art Libraries Society of North America, Volumen 20, número 8. Pp. 8-10.